从贡布里希《艺术发展史》的“问题情境”审视艺术创作与创新的论文_艺术理论论文

从贡布里希《艺术发展史》的“问题情境”审视艺术创作与创新

　一、从“问题情景”解读《艺术发展史》
　　贡布里希的《艺术发展史》是一部较为全面的介绍与解读艺术的著作。从第一章奇特的起源起笔到第二十八章没有结尾的故事结束，从时间发展的脉络来书写，每一章又有与前一章的时间与空间上的对比，使读者能加以比较和分析。贡布里希用浅显的语言表述深刻的哲理，他认为艺术的发展是在艺术家不断解决由社会和艺术传统自身所提出的问题过程中形成的。提出了艺术发展是在“问题情景”中的发展而不仅仅是某个民族、某个时代、某个阶级的情景下的发展。
　　在导论中，他就曾说：“现实中根本没有艺术这种东西，只有艺术家而已。”
　　（p4）艺术家去质疑问难、探索求解形成艺术。“艺术”最初的功能是根据巫术或宗教或政治的需要创造一些合适的形象。这些形象都是出于各自不同的 “情境”。在历史过程中，艺术逐渐积累起自己的传统，具备了独立的审美价值，在人类的发展中，“艺术”逐渐凸显出来。这与李泽厚先生在《美的历程》中第一、二章关于艺术起源的看法颇有相同之处。
　　（p8-72）贡布里希相信“问题情景”分析比任何信奉“时代精神”或“造型意志”的史学家所采用的方法都更为真实、客观。WWw.11665.Com
　　在他的书中，我们可以看出并不是潜在人为的呼召去改变传统，而是情境的改变使其必须这样。例如13世纪意大利伟大的艺术家乔托运用透视原则制造错觉，仿佛宗教故事就在我们眼前发生的一样，它就取代了以前图画写作的创作方法，他如传教士一样，使人们身在其中，解决了以前现实图画中的问题。贡布里希曾说，“艺术史就是伟大艺术家的历史。”又如，说到具有强烈世俗倾向的荷兰绘画，他认为是由于经过了宗教改革，从而使新教统治区内的艺术家已经没有什么自由再画祭坛画了。无论哪种社会，贡布里希所关心的是艺术家所面临的“问题情境”。是许许多多切实需要解决的问题吸引着艺术家奉献他们的才智与精力。我们应当最佩服各个时代的艺术家，正是他们的辛勤劳作，才解决了审美领域中那些潜在的问题而汇成了我们今天看到的艺术世界。
　　艺术的创新与发展需要用辩证的眼光来看待。贡布里希在书中承认在艺术发展过程中的确存在着某种意义上的进步，但他绝不希望他的读者误以为有进步就是有价值。在《艺术发展史》中他一方面肯定艺术家超越前人的努力，另一方面竭力阐明艺术的发展变化总是有得有失。或是有些作品和艺术家在当时看起来可笑，但以后可能是经典作品和优秀的艺术家。例如公元6世纪末格雷戈里大教皇就支持绘画这种艺术类型，但要为格雷戈里大教皇的目的服务就必须把画面的故事讲的尽可能的简明，这显然就是大受限制的艺术。又如从印象派、野兽派、达达主义等许多伟大的艺术家都在他们的时代里遭到反对和嘲笑。因此不要因为个人的喜好或不喜好来评论一件艺术作品，这本书就是告诉我们论文联盟http://每一位大师都有他们的艺术贡献，我们不应该嘲笑任何东西，应该用发展的眼光看待艺术作品。在书中他也曾说过：“本书的某位读者可能喜欢拉斐尔，讨厌鲁本斯，或者正好相反。但是，如果本书的读者不能认识到这两位画家都是卓越的的大师，那么本书就没有达到它的目的。”
　　（p349）
　　在从“问题情境”的角度来看油画艺术，不难发现那些在历史的沉淀中被保留下来的油画杰作正是由于“解决问题”的迫切需要而使得艺术家的智慧与创造力有了充分的用武之地。贡布里希在谈到15世纪尼德兰艺术家杨•凡•艾克时就曾经说过，他为了实现自己的意图，坚持像镜子一样反应现实的全部细节，凡•艾克就不得不改进绘画技术。他是油画的发明者，他将油代替了蛋清，于是就取得了高度的精确如实的效果，那使得当时人们大为惊讶，并且凡•艾克的艺术在肖像画上获得了巨大的成功。这就是当问题来临时伟大的艺术家总是敢于去面对问题并且去解决问题，在不断解决问题中不断创新。又如文艺复兴时期，艺术巨匠达芬奇曾说过美是比例上的和谐。可见在当时去获得和谐是艺术家所要面临的巨大问题。在这本书第十五章中贡布里希就讲到达芬奇创作《最后的晚餐》与波拉尤罗的《圣塞巴斯提安殉难》的不同，达芬奇打破了波拉尤罗作品中存在的生硬感，在作品中取得了自然的平衡与和谐的轻松感，同时又不失素描的正确性和观察的精确性。难怪贡布里希说达芬奇是一位具有魔力的艺术家。像这样的例子还很多，伴随问题的出现艺术家不停的去发现问题，解决问题。
　　20世纪的中国油画有着错综复杂的艺术局面，有太多的问题等着艺术家去解决。在西方文化艺术不断涌入中国的浪潮下，中国油画同样面临着现代性转型的问题。中国的油画艺术家们不得不重新思考如何对待中西不同艺术，同时两者交织同时又有不失中国民族性的东西。正如贡布里希所说，任何风格都能达到完美的境界。从“解决问题”出发，我们便不会简单地以时代进退为褒贬艺术的依据，而要看到艺术创作背后所面临的“问题情景”。贡布里希完全肯定“问题情境”会因时代变迁而会产生相应的变化，但它并不是那种决定一切的“时代精神”。我们应该意识到:一旦艺术家或被迫或自愿地忽略了自身的感受而时刻以“表现时代精神”为已任，他的作品便容易丧失活力。如安德鲁•怀斯在当时被看成异类，并没有受到当时美国光怪陆离的当代艺术的影响，而是从自身的“问题情景”出发，从自身的情感出发，从而使自己的艺术作品具有其独到的价值与活力。
　　二、从“问题情景”审视艺术创新
　　艺术创作是指艺术家以一定的世界观为指导，运用一定的创作方法，通过对现实生活观察、体验、研究、分析、选择、加工、提炼生活素材，塑造艺术形象，创作艺术作品的创造性劳动，在某种程度上是主客观相结合的一种感性与理性相融合的特殊活动。艺术创新，是艺术活动进行“与时俱进”的本质特征和内在品性。艺术家在解决社会和艺术传统自身所提出的问题过程中形成了创新。从艺术家处理“问题情境”的问题出发看东西方艺术，我们可以看出东西方艺术作品创新的角度不同。宗白华在《美学散步》中曾说：“中国艺术方面——这是中国文化史上最中心最有世界贡献的一方面——研寻其意境的特构，以窥探中国心灵的幽情壮采。”
　　（p68）从中我们可以看出“意境”便是中国人的心灵特构，中国的创新是在怎样去营造艺术意境氛围中不断的创新，而这样的创新则大多是借鉴，学习前人的基础之上的创新。所以说中国艺术以这种研寻其意境风格持续了几千年。从薄松年编著的《中国美术史教程》中我们可以看出这一点。
　　然而西方的创新便是不断的探求新的处理方法，不断的在“问题情景”中发现问题，解决问题。所以西方总是不断的探求新的处理方法和新的观念中永不停息。从中我们可以看出在处理“问题情景”上东西方艺术家的不同。

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　艺术活动的创造性，是艺术家在解决他所需要解决的问题时所涌动的创造激情和高扬的精神创造。贡布里希在系统研究视觉艺术史之后指出“人只有在解决需要解决的问题时才具有创造性”。
　　（p135）因为在贡布里希看来，艺术家之所以为艺术家，不仅在于他们对艺术史种种艺术“历史图式”的知晓和掌握，而且在于他们能为感知着时代脉搏的“心灵图象”创造新的图式。翻阅艺术史，我们可以知道种种艺术的“历史图式”是历史上那些杰出艺术家“心灵图象”的冷却和沉淀，而他们的“心灵图象”又是对其所置身的历史的感应和反映；他们“心灵图象”的冷却和沉淀，是他们解决自身所面临的时代课题所涌动和高扬的创造性。
　　拿油画来说，真正意义上的油画艺术创新，不是油画“图式”的拆卸和组装，当然更不是那些“图式”的粉饰和把玩。而是从油画的本身去解决问题。但事实上，人的创造性，或者说艺术家在艺术活动中所具有的创造性，又是在历史给定的条件下产生并实现的。谈艺术的创造活动，我们之所以总要辩证地审视传统与未来、本土与世界、继承与发展、实践与认识等种种关系，正在于艺术活动的创造性产生于一定的历史条件，也就是贡布里希所说的“问题情景”。实际上，我所理解单纯所谓的“问题情境”是以油画家自身对油画所面临的问题的一种解决方法和突破从而得到了创新，油画家在解决问题中起到了决定性作用。而我们当下进行艺术创造活动的社会土壤和时代风尚只是对其产生起到了推进作用。
　　正如艺术的存在不能自足于人类社会之外，艺术创新活动也不能超然于人类的社会实践。在这个意义上来说，艺术创新不仅是艺术演进的必然，而且体现为社会发展的要求。当下中国的油画艺术，正着眼于油画本土化的创新能力，这样油画作为舶来品才能正真地在中国的土壤中生根发芽，这是油画艺术在中国演进的必然。油画艺术演进的必然来看，油画家作为艺术创新活动的主体，油画家不可遏止的生命激情成为艺术创新的内在动力,它激励着艺术家超越“历史图式”去建构“心灵图象”。从贡布里希的书中我们认识到，一部艺术史，事实上是艺术家的心灵建构史，而真正构成艺术史的心灵建构，又无不留有艺术家所置身的时代与社会的深刻烙印。也就是说，艺术家的心灵建构史，本质上仍然体现出一定时代和社会发展的要求。这样正是在贡布里希这本书开头导论第一句话所说的,“现实中根本没有艺术这种东西，只有艺术家而已。”
　　(p4)
　　三、“问题情境”给予艺术创新的启示
　　从《艺术发展史》这本书中，我们可以看出贡布里希在纷繁的艺术现象中找到了一条内在的逻辑方法。正像他写这本书的目的时说道：“不是求助于热情奔放的叙述去实现这个目标，而是给读者一些启示，说明艺术家可能怀有的创作意图。”
　　在庞大的艺术史领域中，这种方法不仅使我们认识到了艺术是由民族、时代、社会等等因素所影响的，更重要的是由艺术家自身去在特定环境下去发现问题，解决问题。
　　例如，贡布里希在书中分析保罗•塞尚的静物画曾说：“桌子不仅从左向右倾斜，看起来仿佛向前倾斜……而塞尚画则是色点的杂凑之物，使得餐纸看起来仿佛是用锡箔制成的。难怪塞尚的画最初被嘲笑为可悲的糊涂乱抹。但是不难看出造成外观笨拙的原因何在。塞尚已经不把任何传1画法看成理所当然的画法。他已经决心从涂抹开始，仿佛在他以前根本没有绘画这回事……而塞尚选择他的母体是研究他想解决的一些特殊问题。我们知道他沉迷于色彩跟造型的关系，像苹果那样具有鲜艳色彩的圆形实体就是探究这个问题的一个理想的母体。我们知道他对做出平衡的设计很感兴趣，这就是他要把水果盘向左延伸去填补空白的原因所在。因为他想研究在相互关联的情况下桌子上各个物体的形状，所以他就把桌子向前倾斜，使它们都能被看到。他力求获得深度感但不牺牲色彩的鲜艳性，力求获得有秩序的布局但不牺牲深度感，在他的这一切奋斗和探索之中，如果有必要的话，有一点他是可以牺牲的，亦即传统的轮廓的“正确性”。他并不是在歪曲自然；但是，如果能够帮助他达到向往的效果，他是不大在乎某个局部细节是否变形的。”
　　从这里我们可以看出塞尚为了表现坚实感和深度感不惜放弃符合程式的素描法。这便是从问题情境出发艺术家去发现问题并解决问题的一个典型的例子，在解决问题情境中去不断的探索与创新。从中我们也可以看出任何优秀的艺术作品一定是艺术家倾注了各自的感情去表达自己心灵中的对象。
　　艺术的存在不能自足于人类社会之外，艺术创新活动也不能超然于人类的社会实践。在这个意义上来说，艺术创新不仅是艺术演进的必然，而且体现为社会发展的要求。当下中国的艺术，要着眼于本土化的创新能力，这才是艺术在中国演进的必然。从艺术演进的必然来看，艺术家作为艺术创新活动的主体，艺术家不可遏止的生命激情成为艺术创新的内在动力,它激励着艺术家超越“历史图式”去建构“心灵图象”。“情景问题”就是从具体材料的调查分析中建构起假说，并在材料分析中探究，检验假说的活动。关注处在某中特定的情景中的个人，而非某个民族，某个时代或某个阶段。贡布里希就是从中力求阐述个人与其情景之间的关系，揭示出情景中的诸种因素是如何促成个人的创作的独特性和具体性。从“问题情景”出发不仅可以审视油画的创新，也可以对油画的材料运用、画面的形式与内容等等加以审视，这种方法很有助于我们对艺术创作与艺术创新进行不断深入的研究。因为艺术创作的每一步都有或隐或显的情景关系在左右。因此艺术要与时俱进必须跟上时代和社会的脚步。时代的发展伴随这新的“问题情景”的产生，同时艺术家必须去面对问题，在解决问题中实现作品的不断创新。转贴于论文联盟 http://

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