个太粗，另一个又太细，力量悬殊，所以弹出来的是“坏音”，被禁止使用或只配用来弹奏弱拍上不重要的音。那时演奏音阶是用2、3指交错的方式，现代人会觉得非常别扭，那时居然也可以做到很流利。巴赫这位大音乐家，也只敢在人们看不见的时候偷偷使用大指和小指，一直到贝多芬时代，车尔尼被贝多芬教导要多练习大指，还觉得十分新鲜和不可思议。这一现象直到浪漫派音乐时期才得以改观。
　　人的手是非常复杂而奇妙的，五个手指各有长短，无名指的韧带发育不完全，小指太弱而大指最强，对于弹奏钢琴来说，真是麻烦透了。于是，各种锻炼手指的方法（如《哈农练指法》）就层出不穷的被编了出来，而为了掌握各种复杂的节奏、音型以及演奏需要的技巧，各种练习曲更是多的不胜计数，甚至还出现了专门的“练习曲之练习曲”，如《弹奏肖邦钢琴练习曲的练习曲》！对演奏技法不断的深入钻研和探索，极大地推动着钢琴音乐创作与演奏的发展。
　　随着钢琴自身的不断完善，其所提供的演奏可能也越来越多，这就为演奏家和作曲家们提供了越来越大的施展空间。人们从只关注手指的运动逐渐发展为研究腕、肘、臂、肩之间的关联作用，各种之前闻所未闻或只能想象而无法实现的演奏技巧被发明了出来，而对演奏技巧贡献最大的人，首推李斯特。
　　李斯特很小就被称为钢琴神童，十一、二岁时就能演奏极其艰深的曲目，掌握了当时所有的演奏技巧。1831年3月9日，李斯特在巴黎亲眼见到意大利小提琴家帕格尼尼的演奏，受到极其强烈的震撼和犹如晨钟暮鼓一般的启示，继而投入到疯狂地练习和创新之中。艰苦的训练终于结出了丰硕的成果，准确的大跳、双手八度交错半音的快速上下行（即“李斯特八度”）、别致的拨奏、滑奏、巧妙细致的踏板等。在李斯特的手中，钢琴终于成为具有无限表现力的“万能乐器”，他赋予了钢琴这件乐器新的生命力。一直到对钢琴演奏研究的如此透彻的今天，单从演奏技巧论，对最高难度的演奏技巧的发展与创新仍是到李斯特为止，也就是说，在李斯特之后，钢琴的演奏技巧无创新式发展，后人只是在不断的叠加和重复而已。
　　至此，一个现代钢琴演奏家所需的一应技巧，基本发展完善与成熟！
　　三、历史与社会环境
　　19世纪中叶，也就是1850年前后，欧洲音乐正是浪漫主义中期，是欧洲音乐史上最繁盛的时期。在巴罗克音乐时期，作曲家们恪守着严格的作曲规范，将自己的情感深深融合在对宗教和君主的虔诚与推崇中；到了古典主义时本文由论文联盟http://收集整理期，随着社会变革进程的加剧和席卷欧洲的工业革命，人们追求“自由、民主”，思想意识发生了巨大的变化，在这样的时代背景下，音乐的创作也逐渐显露出伟大的人性光辉和庄严崇高的精神力量。而到了浪漫主义时期，人性的解放和个人风格特点的强烈体现成为最常见的创作手法，大量优秀的音乐作品不断地诞生着，甚至有的作曲家由于担心别人听不懂他这种纯个人的情感表述，专门在音乐标题下不厌其烦地加上了若干说明文字（柏辽兹）。而身处其中的钢琴音乐，亦得到极大的发展。

　　思想一旦获得自由，个人情感的表达一旦成为常态，创作欲望必然喷薄而出。仅仅是对比一下上述三个音乐时期最主要代表人物的数量，就可以看出在浪漫主义音乐时期，欧洲音乐的创作与发展是何等的繁荣与迅猛了。在这样的社会大环境下，量的积累必然带来质的飞跃，纵观当下音乐会和音像制品中的钢琴作品，大量的、最受欢迎的，还是浪漫主义时期的作品。行吟歌手般的舒伯特、画家般的德彪西、有王者气派的李斯特和音乐诗人肖邦等，既丰富了那个时代，其影响又远远波及未来。
　　四、关键人物的关键作用
　　任何事物发展的关键时期，就需要有关键人物的出现来起到突破作用。在巴罗克时期，巴赫的《平均律钢琴曲集》（那时钢琴还是丑小鸭，这里指古钢琴）被誉为音乐上的“旧约全书”，两卷四十八首作品是十二平均律首次完整地运用，预示着键盘乐器的远大前程，被视为现代钢琴的奠基之作；与之相呼应的，是古典主义时期贝多芬的三十二首钢琴奏鸣曲，因其重要的地位，被人们称为“新约全书”，有意思的是，贝多芬的钢琴奏鸣曲创作，是能够和钢琴发展史相对应的。
　　贝多芬一生前后用过五架钢琴，第一架不到五个八度，无创作；第二架五个八度，贝多芬用它创作了第1——第18奏鸣曲；1803年，贝多芬获得了一架法国琴，有五个半八度，于是，“黎明”和“热情”诞生了，而在“热情”奏鸣曲结束时频频响起的这架琴的最高音——小字4组的c，可以想见贝多芬是多么为键盘音域的拓展而兴奋，这个音在之前的钢琴上是没有的；1818年，他得到了一架拓展了低音的、拥有六组键盘的英国琴，于是，第29钢琴奏鸣曲、作品编号106的，便于此际横空出世……
　　莫扎特的演奏，被形容为“如热油般流动而全无涩滞”；贝多芬的演奏，则听过的人一致评价为“震撼人心，有催人泪下的强大力量”。这些杰出人物的创作和演奏为同时代及后来的人们，树立起良好的榜样和标杆的作用，为钢琴音乐的发展打下了坚实的基础，于是，到浪漫主义音乐时期，欧洲钢琴音乐的发展在工具上、技术上和艺术上，都为进入鼎盛时期做好了准备，而肖邦和李斯特的出现，则成为完成最后冲刺的人。
　　对于李斯特，前文已有过叙述，需要补充的是，他是第一位使钢琴做为一件独奏乐器而被使用的，之前的钢琴演奏，往往会搀杂着声乐演唱和其他乐器的演奏，只靠钢琴这一件乐器而支撑起整台音乐会的，自李斯特开始。
　　肖邦以钢琴为知己， 以钢琴为喉舌，是唯一一位只为钢琴作曲的音乐家，其音乐既不炫技，又不炫力，气韵之高雅，艺术之精妙，无人能及。当然，这并不表示他的作品在技术上就相对简单，肖邦的钢琴作品对演奏者的手指能力和艺术修养有着同样高的要求。而后人往往只关注其作品中的抒情性，又经常演绎的过于多愁善感，或是因了舒曼“花丛大炮”的描述而只关注其革命性，对肖邦对钢琴音乐的独一无二的贡献，却较少关注。
　　肖邦的钢琴作品，是唯一使“钢琴音乐纯钢琴化”的，就是说，无法移植到其他的音乐表现形式上。李斯特的《匈牙利狂想曲》被改编为管弦乐队版，相信很多人都听过，而对肖邦，虽然有人做过尝试，比如小提琴家帕尔曼，男高音卡雷拉斯等，都演奏和演唱过肖邦的作品，但不过一两首而已，效果比之钢琴演奏，不可同日而语。而大多数，根本就没法改，比如著名的《升c小调即兴幻想曲》作品第66号，谁能改改看？完全无法下手！
　　肖邦的练习曲创作也是应该得到足够重视的，他的钢琴练习曲兼具技术练习和艺术表现的双重功能。以李斯特为例，他也写有大量钢琴练习曲，甚至因技巧艰深而被冠以“超技”的名号，但欣赏时则只见其技，不见其艺，观众只能看到演奏者灵活和有力的手指，听觉上则谈不到多大的艺术享受。肖邦就不一样，其练习曲的艺术性甚至常常掩盖了作品的练习功能，带给人极大的艺术享受。如果有人开一场肖邦钢琴作品音乐会，曲目全部是肖邦的练习曲，那是毫不奇怪的，但谁见过哪个演奏家开“车尔尼钢琴练习曲音乐会”？那就成笑话了。
　　综上所述，欧洲钢琴音乐发展到19世纪中叶，由于钢琴发展日益成熟、演奏技巧日益科学完善、前人积累足够深厚，而肖邦和李斯特二人又将钢琴的艺术性、抒情性和演奏技巧推到了极致，所以，将这一时期称之为钢琴音乐的鼎盛时期，是毫不夸张的，不但是前无古人，至少到现在，也是后无来者了！